Короткий метр: Работа над сценарием - Екатерина Кожушаная

через запятую: «драма, комедия». Мы намеренно не использовали понятие «драмеди», так как оно не везде котируется. Но наше обозначение жанра тоже не прошло. А вот название «лирическая комедия» было принято.

Реализм – сюрреализм

Короткометражное кино – это всегда эксперимент. Что-то из глубины сознания. Поиск и полет фантазии. Тренировка начинающего Автора или работа мастера для души (особенно в анимации). Поэтому при обсуждении короткого метра очень важно соотношение в фильме реализма и сюрреализма.

Фильм может быть на 100 % реалистичным. А может быть сюрреалистичным, как сон в бреду при высокой температуре. То и другое – реализм и сюрреализм – по-своему сложно.

В реализме нужно хорошо понимать жизнь, досконально знать тему фильма и его героев изнутри, а затем отлично работать с актерами и репликами.

В сюрреализме для тех, кто его любит, работать бывает легко, но можно уйти от Зрителя так далеко, что работа останется никому не понятной и не интересной.

Совмещение реализма и сюрреализма создает в кино ту самую поэтичность и метафоричность, которую бывает сложно объяснить словами и которая и делает кино искусством.

Тонкости

Мелодрамой в профессиональном киномире называют сериалы дневного эфира, где в основном реплики. Производство такого сериала недорогое, а значит, нет разнообразия локаций и ракурсов. Это сериалы, которые можно слушать не глядя, во время уборки или приготовления пищи.

Но в народе и на киносайтах мелодрамой называют любые романтические истории про отношения пар.

Трагедия – жанр, которого сейчас нет. О высоких темах и героических поступках. Жанр, в котором Автор ставит себя ниже Героя. В Древней Греции показ трагедии на сцене сопровождался пением хора. В финале – выводы и мораль. Это было священнодействие, вызывающее катарсис – перерождение душ зрителей.

Поэтому, строго говоря, если кто-то умер в истории, – это еще не трагедия, а драма. Но мы привыкли пользоваться термином «трагедия», имея в виду, что случилось что-то глубоко печальное и все плачут.

Драма – все, что про отношения и жизнь. Поэтому натуралистичная история про отношения пары мужчины и женщины в профессиональном смысле тоже будет называться «драма», а не «мелодрама». Но кого в этом убедишь?

Вот такие нюансы.

А теперь давайте проясним важный момент для создателей и зрителей анимационного кино. Пишут на киносайтах жанр «анимация» для того, чтобы Зритель понял, что это будет необычное кино. Но…

Анимация – это не жанр

Это техника. В разных техниках анимации существуют фильмы совершенно любых жанров! Те же драма, притча, комедия, детское кино, детектив, триллер и даже порнография.

Все что угодно делается в анимации. Можно так же смешивать жанры, как в обычном кино.

Слово «анимация» означает, что это не реалистичная съемка актеров. Вот и все.

И тут может быть сто вариаций технологий. С актерами и без.

Актеры, обработанные и стилизованные фильтрами. Отрисованные вручную актеры. Куклы. Компьютерные объемные модели. Плоские виртуальные марионетки. Плоские физически существующие марионетки (перекладка).

Либо картинки, нарисованные вручную, по 12 кадров на каждую секунду (!). И еще десятки техник. Песок, тени, живопись на стекле…

При этом слово «анимация» может Зрителя сильно обмануть в ожиданиях. Есть люди, которые до сих пор думают, что «мультики» – это только для детей. Хотя существует огромное количество анимационных фильмов на взрослые глобальные темы.

Отличие анимационной драматургии от драматургии игрового кино в том, что сценаристу нужно быть одновременно художником и уметь мыслить сюрреалистично.

Режиссерам анимационного кино важно понимать, что режиссер, художник и аниматор – это не одно и то же. Если вы сами и художник, и аниматор, и режиссер своего фильма, есть опасность уйти в детали и процесс. В ходе работы теряя цель, смысл, сюжет, диалог со Зрителем. Вот почему опытный продюсер рекомендует режиссеру анимационного кино привлечь художника и, конечно, аниматоров, а не делать все самому. Сценарист в идеале тоже необходим. Мало есть сценаристов, понимающих в авторской анимации, и все же поищите такого человека. Вам нужен диалог с командой, конструктивный взгляд. Больше топлива в ваш общий котел.

Про смену тональности

Сейчас поговорим про смешное / серьезное и их смену между собой.

ПРОСТОЕ ПРАВИЛО: юмор подмешивать всегда хорошо. А давать его внезапно, меняя всю тональность фильма, – плохо. Так же и наоборот. Шутить, смешить в течение всего фильма – хорошо. А внезапно сделать вид, что все серьезно, – плохо.

Представьте, что вы едите сладкий десерт с фруктами и со сливками, наслаждаетесь легкостью вкуса, и вдруг вам говорят: «Плюнь! Что ты ешь?! Нормальную еду надо есть! Вот тебе котлета мясная с жареной картошкой. Настоящая еда, а не эта фигня всякая!»

То же испытает Зритель, если вы давали ему юмор, все было легко, сатирично, вкусно-смешно… а потом вы такой: «Э нет, у нас тут все серьезно, задумайтесь, люди! Это у меня не комедия, как вам хотелось, а бац – и философская притча! Я серьезный мастер».

Вы сломаете кайф от юмора и серьезной мысли тоже дать не сможете. Так не работает.

Или наоборот. Вы обедаете, с удовольствием едите пюре с рыбой в сметанном соусе. И вдруг вам говорят: «А ну, плюнь! Ты что обжираешься? Хватит. Вот тебе карамелька. Укуси».

Это когда была серьезная тема, пища для ума, про суть, про жизнь… а в конце вы просто решили посмеяться над Героем, показать его нелепым и всю историю смяли. (Так порой предлагают сделать студенты.)

Сменился жанр – случилось разочарование, потому что вы не дали прожить одно важное чувство, одну важную мысль.

То есть не надо прерывать Зрителя.

Если вы смешиваете жанры, делайте это сразу. Утка в клюквенном варенье – это вкусно, и она сразу такая. Варенье превращается в соус, вкусы утки и кисло-сладкой клюквы обогащают друг друга.

Юмор подмешивать всегда хорошо! Это особый ингредиент. Это талант, это трудно. Это воздух.

Герой

Протагонист

В драматургии Герой называется «протагонист».

Герою, характерам и внутренним конфликтам нужно посвятить отдельную книгу. Сейчас проговорим самое главное.

Каков Герой – центральный вопрос для замысла.

Зрителю (человеку) интересно смотреть на человека, понять человека и через человека обрести новый опыт. То есть в идеале пережить переворот.

Поэтому так важно проявить Героя в экспозиции. Чтобы было что переворачивать.

Если Герой не человек (а другое существо), мы все равно наделяем его интересным характером человека. По-другому никак.

Нужна Личность.

Во всех примерах, что мы разбираем в книге, у Героев интересные глубокие характеры. Иногда они обозначены несколькими мазками. Иногда подробнее, с манерой речи. Но характер всегда необходимо прорабатывать, опираясь на прототипы. Можно на несколько прототипов. В сюжете характер будет раскрываться в сложных обстоятельствах и ситуациях выбора.

Драматургия – это развитие характера в конфликте.

Кто Герой?

В драматургии Героем считается тот, кто меняется по сюжету.

Все, кого мы описывали в главе «Переворот Героя» (было – стало), – это Герои историй. Они, каждый в своем фильме, главные. Это их истории.

Когда у вас кто-то меняется, знайте: именно он у вас главный.

Но: если так получается, что больше времени на экране тот, кто НЕ меняется (бывает такое), а меняется кто-то ДРУГОЙ, – уделите этому другому побольше внимания. Не обязательно больше экранного времени. Но обязательно больше вашего внимания. Какой он и почему изменился? Его изменение не должно происходить по щелчку.

«Варежка» (аним., СССР, 1967, реж. Роман Качанов, 10 мин.)

Маленькая Девочка очень хочет собаку. Мама не хочет. Девочка так сильно мечтает о собаке, что ее Варежка оживает (сильный ход! именно для анимационного фильма). Варежка превращается в щенка и участвует в собачьих соревнованиях. Но в самый важный момент «щенка» подводит именно то, что он не настоящий щенок, а Варежка, – она цепляется ниткой за перекладину. Девочка продолжает любить свою Варежку и заботиться о ней. Чем трогает Маму. Тогда Мама берет в дом настоящего