Искусство. Как понимать и получать удовольствие - Дарья Андреевна Козлова

зеркале, о том, что они король и королева, что король вдвое старше своей жены, а она, кстати, его племянница.

Тут еще кто-то из зрителей может сострить: «О, ну конечно, видно, что они близкие родственники. Лиц родителей хоть и не разглядеть, зато очевидно, что у них с Маргаритой лбы одинаковые!»

Чувствуете, как драматично отличается общее настроение и ощущение от восприятия картины? Теперь, когда у нас с вами есть опыт познания «Менин», даже как будто жаль тех зрителей, которым сразу дали правильный ответ. Для последних картина остается скучной «коричневой классикой», приправленной скабрезными фактами о главах семьи. Я думаю, именно такого прямолинейного восприятия своего дома Филипп и Марианна хотели избежать, решив не быть рядом со своей дочкой на портрете.

Для нас же «Менины» Диего Веласкеса стали искусным посланием. Невероятно, как нужно было королевской чете доверять художнику, чтобы дать возможность написать такую сложную и тонкую картину. А Веласкес, как истинный гений, придумал элегантный и поэтичный образ, приглашающий зрителя в семейный круг. Делая нас участниками сюжета, художник мягко формирует наше лояльное отношение к королевской семье и ситуации в целом. Теперь мы лучше понимаем короля и королеву, видим в них обычных людей со своими проблемами и страхами.

Это разговор художника о тонкости и многогранности отношений в семье, о любви, надежде, уважении. И мы с готовностью вступаем в эту беседу с Веласкесом благодаря опыту личного погружения в великие «Менины».

Третья встреча с «Менинами». Каким образом выражена идея?

Каждый раз в музее или галерее, когда мы стоим перед произведением, в голове звучит вопрос: «Почему это – искусство?». И ответом будет: «Потому что художник подобрал отличный образ».

Когда эксперты решают судьбу того или иного искусства с позиции «Должно ли оно остаться в веках», они оценивают качество образа. Есть определенная шкала, по которой определяется ценность творения художника. По возрастанию она выглядит так:

ПРОИЗВЕДЕНИЕ ВЫСОКОГО ИСКУССТВА

ПРОИЗВЕДЕНИЕ ИСКУССТВА

ТВОРЧЕСТВО

ТВОРЧЕСТВО – базовая ступень для всех профессиональных художников и любителей в мире. Они рисуют, занимаются лепкой, фотографируют, снимают видео, делают витражи или украшения.

Список ремесел можно продолжать бесконечно. Главное, что творчество отражает личность того человека, который его создает. Его взгляд и его внутренний мир. Базово творчество как процесс не нуждается в качественной оценке. Человек творит, потому что ему хочется выразиться, сам процесс высвобождает чувства и эмоции. Творчество всегда, в первую очередь, значимо для самого автора, а вот хорошая оценка окружения – скорее, приятный бонус, чем основополагающий фактор.

Если художник претендует на большее признание, то ему необходимо вывести творчество на качественно новый уровень, чтобы оно стало ПРОИЗВЕДЕНИЕМ ИСКУССТВА. Мы уже поняли, главное для художника – высказаться в своем творчестве. А чтобы быть услышанным и понятым, необходимо не просто выплеснуть на холст свои чувства и эмоции, для них нужно найти образ. Именно наличие и качество образа определяет значимость работы художника и его высказывания.

Эгон Шиле. Автопортрет с руками на груди, 1910. Место хранения неизвестно; Эгон Шиле. Автопортрет с опущенным веком, 1910. Галерея Альбертина, Вена;

Анри Лоуренс. Бутылка Бона, 1918. Центр Помпиду, Париж

Если художник виртуозно подобрал идеальный образ, то его творчество становится не просто произведением искусства, оно переходит в разряд ВЫСОКОГО ИСКУССТВА.

У меня ушли годы на то, чтобы понять, что значит «найти образ». Это не то знание, которое художникам в институте препарируют и раскладывают по полочкам, чтобы все всё быстренько поняли, впитали, усвоили и пошли стройными рядами создавать гениальное искусство. Поиск и понимание образа в своем творчестве – очень интимная история. Это тот вид знания, к которому художнику надо прийти самостоятельно, иначе магия не сработает.

На шестом году обучения в институте я писала дипломную картину. Целый год каждый из моих однокурсников решал именно эту задачу. Я помню, как раз в неделю к нам в мастерскую приходили педагоги и мы обсуждали наш прогресс. Глава нашей творческой мастерской, большой художник, почти на всех этапах моей работы повторял одну и ту же фразу: «Главное – найти образ…» И говоря это, он как будто перетирал пальцами очень тонкую пыльцу в поисках более значимой крупинки, которую можно будет рассмотреть.

Честно говоря, меня периодически даже бесила эта фраза. Порой хотелось воскликнуть: «Да просто скажите уже, куда подвинуть персонажа!» Но, конечно, я ничего подобного себе не позволяла, а продолжала работу над холстом в надежде услышать через неделю, что у меня получилось. Я понимала: это путь, который надо пройти самостоятельно, такой своеобразный путь ниндзя, только для художников.

Признаюсь, по-настоящему до меня дошло, о чем говорил мой педагог, только через два года после окончания института и после его смерти. Путешествуя по Японии, в музее современного искусства я увидела гениальную световую инсталляцию Джеймса Таррелла – и пазл в голове, наконец, сложился. Я поняла, что образ – стержневой компонент для искусства в целом и современного искусства в частности.

Антонелло да Мессина. Портрет неизвестного, 1475. Лувр, Париж

Из чего же складывается образ, раз он так важен?

У художника есть три инструмента для создания образа в картинах: ЦВЕТ, СВЕТ и КОМПОЗИЦИЯ. Заметьте, совершенно неважна техника. Рисует ли художник карандашами или маркерами, пишет ли масляными красками – это все только материалы для достижения идеального образа через взаимодействие цвета, света и композиции в работе. Все картины всех эпох во всех музеях мира основываются на соотношении именно этих трех параметров.

Академическое образование диктует художнику: только научившись хорошо рисовать, можно выйти на следующий уровень и начать в своем творчестве создавать образ. Поэтому в институте мы с моими однокурсниками минимум по 6 часов в день тратили на занятия рисунком и живописью. Рисовали графическими материалами, писали маслом постановки с портретами и обнаженными моделями, отрабатывая таким образом умение работать со светом и цветом.

Отдельной дисциплиной у нас была композиция. В конце семестра на просмотре наших работ комиссией нам надо было представить сюжетную картину, нарисованную с нуля. На первом этапе мы обсуждали и согласовывали эскиз с нашими педагогами. Тему можно было выбрать совершенно любую, но если в эскизе она не была раскрыта визуально, то на холсте в полный размер мы работу не начинали.

Частенько обсуждение композиции происходило так. Перед профессором-художником раскладывались все эскизы и наработки, он на них смотрел, и начиналось обсуждение, где получилось или не получилось «зацепиться за образ» для дальнейшей работы. Но это бывало очень тяжело. Часто идея