По залам Государственного музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина - Олег Дмитриевич Грознов

В голландской живописи часто встречаются изображения животных – домашних и диких. Если фламандец Снейдерс, по обычаю, писал животных в виде разделанных туш, украшающих изобильный натюрморт, то крупнейший голландский анималист Паулюс Поттер отдавал предпочтение живым особям. Самая известная работа этого рано скончавшегося мастера – «Молодой бык» из Королевской галереи Маурицхёйс в Гааге. Государственный Эрмитаж также располагает несколькими замечательными произведениями Поттера, среди них «Наказание охотника» и «Волкодав» (или «Цепная собака»). Глядя на образы коров, собак и других зверей, созданные художником, невольно воспринимаешь их как портреты. Например, «Волкодав» под кистью Поттера обретает почти человеческий характер, а изображение молодого быка и лежащей рядом с ним коровы и вовсе напоминает семейный портрет, на котором степенный бюргер изображен вместе с супругой.

Питер Клас. «Завтрак». 1646 г.

В Музее имени Пушкина мы встречаем две картины Поттера, скорее относящиеся к бытовому жанру – «Молодая коровница» и «Отъезд охотника». На обоих полотнах центральное место уделено деятельности человека, однако заметную роль в представленных сценах играют животные – в первую очередь это справедливо по отношению к коровам на картине «Молодая коровница». В этой работе Поттер особенно явно подчеркивает связь между человеком и животным. На полотне изображены три крестьянина и три коровы, представляющие единую группу, связанную не только композиционно или посредством колорита, но в том числе, как это ни покажется странным, неким подобием общей – для людей и скотины – эмоции. Двое мужчин глядят в сторону зрителя, лежащая рядом корова тоже повернула к нам свою голову. Мужчины смеются, будто приглашая нас присоединиться к их веселью. Под стать им и корова – она, кажется, расплылась в улыбке. Хотя столь яркая и столь человеческая эмоция на морде животного имеет вполне приземленное объяснение: корова вовсе не ухмыляется, а всего-навсего пережевывает жвачку.

Довольно часто коров изображал голландский пейзажист Альберт Кейп. Примером тому служит картина из собрания Пушкинского музея «Коровы на берегу реки». Плотные и землистые тела животных на этом полотне противопоставлены легко мчащимся по небу полупрозрачным облакам и парусным лодкам, что стремятся вперед по водной глади и почти растворяются в лучах солнечного света.

На протяжении трех столетий искусство Нидерландов (юга и севера) неустанно развивалось, достигая все новых высот. Семнадцатый век подарил миру таких достойных наследников дела Ван Эйка и Брейгеля, как Рубенс и Рембрандт, и окружил их целым созвездием живописцев, уровень мастерства которых навсегда остался непревзойденным. К сожалению, в последующие эпохи искусство этого региона не было в состоянии подняться на столь же высокий пьедестал, однако в конце XIX и в начале XX века к прославленному кругу художников прошлого добавились имена Ван Гога и представителей движения «Стиль» во главе с Мондрианом.

Альберт Кейп. «Коровы на берегу реки». Вторая половина XVII века

Раздел 5

Живопись Франции. Стиль классицизм

В XVII веке Франция превратилась в абсолютную монархию. Наибольший вклад в формирование абсолютизма поочередно внесли кардинал Ришельё и Людовик XIV, носивший неофициальный титул Король-Солнце. Искусство верно служило трону. Французскому двору импонировали размах и монументальность стиля барокко, однако присущие ему витиеватость и склонность к аффектам совсем не соответствовали той жесткой иерархии, что лежала в основе государственного устройства Франции. Гораздо ближе к нарождающейся властной вертикали было классическое искусство, более строгое и рациональное.

Такова политическая основа возникновения стиля классицизм, иногда именуемого «дисциплинированным барокко»[54].

Классицизм с большой наглядностью проявил себя в архитектуре. Черты этого стиля, впервые наметившиеся в творчестве Франсуа Мансара и Жака Лемерсье, позже – во второй половине столетия – проявились в постройках Луи Лево и Жюля Ардуэн-Мансара (Версаль, Большой Трианон), а также Клода Перро, брата знаменитого сказочника Шарля Перро (Колоннада Лувра[55]). Отдельного упоминания заслуживает Андре Ленотр – величайший ландшафтный художник, мастер садово-паркового искусства, создатель регулярных парков Версаля и Во-ле-Виконта.

* * *

К середине XVII века относится творчество двух наиболее прославленных художников Франции эпохи классицизма: исторического живописца Никола Пуссена и мастера пейзажа Клода Лоррена. Жизнь обоих художников связана с Римом и Кампаньей. Образы Вечного города и его окрестностей наполняют многие их полотна, часто изображающие мифологические сцены.

К числу ранних произведений Никола Пуссена принадлежит картина «Ринальдо и Армида». Создание ее относится к 1620-м годам, когда молодой художник только приехал в Италию и оказался под сильным воздействием античной культуры и живописи Ренессанса. Столь страстное увлечение Пуссена классической древностью позволило Эрнсту Гомбриху уподобить его археологу-мечтателю, что надеется найти в прошлом «отблески давно ушедших времен изначальной невинности и первозданного благородства»[56].

Никола Пуссен. «Ринальдо и Армида». 1620-е годы

На создание «Ринальдо и Армиды» Пуссена вдохновила великая поэма Торквато Тассо «Освобожденный Иерусалим», посвященная истории Первого крестового похода. Из пестрой вереницы событий, описанных в этой рыцарской поэме, художник избрал наименее героический эпизод. Он запечатлел момент рождения любовной страсти, когда коварная волшебница Армида прониклась чувством к прекрасному паладину Ринальдо. Спящий рыцарь и склонившаяся над ним волшебница, окруженные путти, помещены ближе к левому краю полотна. В правом углу расположился речной бог, извергающий воду из крупного округлого сосуда. Сверху композицию замыкают прислужницы Армиды и ведомые ими кони, запряженные в золотую колесницу, на которой героиня вскоре переправит Ринальдо в свой сказочный сад.

«Ринальдо и Армида», равно как и «Сатир и нимфа», – картина, написанная примерно в то же время, – раскрывают увлечение молодого Пуссена Тицианом и другими мастерами венецианской школы. При этом колорит в «Сатире и нимфе» не столь насыщенный, как на предыдущем полотне, да и композиция много проще. Художник остановился всего на трех фигурах, представленных на лоне природы: сатире, увитом листьями винограда и наслаждающимся терпким вкусом молодого вина, нимфе, держащей в руках прозрачный сосуд, и путто, поддерживающим донышко кубка, из которого жадно пьет сатир.

Героический пафос республиканского Рима, близкий зрелому Пуссену, звучит в историческом полотне «Великодушие Сципиона». Герои картины, многие из которых изображены в профиль, расставлены в ряд на переднем плане. Такой композиционный прием указывает на то, что источником вдохновения Пуссену послужили античные рельефы, в которых римская державность обрела столь выразительную чеканную форму.

Помимо скульптуры и живописи, сильное влияние на творчество Пуссена оказал театр. Позы и жесты героев «Великодушия Сципиона» напоминают